台北故宫博物院藏

1962年，台北故宫的国宝在美国五大城市巡回展出，一天下午，展览现场一位“奇怪”的美国观众站在南宋画家李安忠的《竹鸠图》前，整整盯了两个小时。保安怕他图谋不轨，就把情况告诉了展览负责人。

经询问，原来这位观众家里养了两只鸟，正跟《竹鸠图》里的鸟一模一样。他好奇地问展览负责人：“你们那张画是照着我的鸟来画的呢？还是我的鸟照着你们的画长的呢？”

难怪这幅800多年前的中国工笔花鸟，能让1960年代的美国人民狂盯俩钟头。今天我们再看这幅画，也还是会感叹画家笔墨的精妙。小鸟是不会停在枝头给你当模特的，所以很难想象在没有照相机的南宋，李安忠为了把伯劳鸟的神韵、造型都严谨地再现出来，花费了多少工夫。

这种费工夫的画法，在中国画里，就被称为工笔画。

工笔画源远流长，远至新石器时期的陶器上，商、周的青铜器上，战国的帛画上也可以追溯到她的来龙去脉。就工笔花鸟画独立分科而言，“始于唐代，成熟于五代，鼎盛与两宋”。千余年来，名家辈出，而她也静默地，美了两千多年！

工笔画又叫“细笔画”，是以精谨细腻的笔法描绘景物的表现方式。历经初稿—定稿—上胶矾—勾勒—敷色—渲染等繁复过程，从而取得形神兼备的艺术效果。

一笔一画，都要求作画者有极强的耐心、毅力和定力，既要死磕，又要发挥极致！

【工笔人物画】

工笔人物画起步最早，主要是为了宫廷政治和宗教服务，从战国墓葬出土的《人物御龙帛画》，可说是中国最早的工笔人物画。画中男子是一名巫师，他束发高冠、华服广袖、身佩宝剑，侧身驾驭着一条巨龙飞升天外。

“灵魂画手”——顾恺之

到了东晋，人物画已经发展得很成熟。而东晋人物画第一人，当推顾恺之。中国画的精髓是“线条”，顾恺之就能用线条将人物画得很传神。《历代名画记》中记载了顾恺之为裴楷画像一事。顾恺之为了表现裴楷的丰神俊朗，就在人物肖像脸上加了三根毛，气质一下子提升不少。

顾恺之也画仕女画，《女史箴图》中贵族妇女神态端庄温婉，服饰的线条绵密、流畅、稳定，功力极深，后人形容这线条如春蚕吐丝，又被称为琴弦描或者高古游丝描。

顾恺之还有个必杀技是“点睛”。传说当时顾恺之在建康瓦棺寺画《维摩诘像》，点睛的一刹那，维摩诘眼神中的光彩普照寺院，信徒香客为见一眼开光佛像，捐款百万钱，顾恺之一战成名。

“纪实大师”——阎立本

唐代工笔人物画家阎立本，专门为皇帝画画，因为一言不合就要掉脑袋，所以他的人物画看起来就没有那么灵动，相对来说更加拘谨。

《步辇图》描绘了吐蕃王松赞干布派遣使节觐见唐太宗，希望双方能够相互联姻，建立友好邦交的故事。这种记录历史事件的画，就像新闻图片一样，忠实还原现场，所以必须画得真实。

【工笔山水画】

剥离人物画，自立门派

人物画在发展，山水画也在发展。从东晋顾恺之到隋朝展子虔，工笔重彩山水画逐渐从人物画中剥离了出来，成为一个独立的画种。

展子虔《游春图》的主要描绘对象，已经变成了二月桃花杏花争艳的江南山水，人物山水的比例也开始和现实中相仿。

传承有序，界画高手频出

展子虔画山水时的青绿设色，画树的双勾夹叶法和画花朵的点花法，都对唐代李思训的青绿山水产生了很大影响。用繁复精致的细笔描绘“葱郁树木、崇山峻岭、精致楼阁、荡漾水波”的画山水，就是从李思训开始发扬光大的。

青绿山水中少不了亭台楼阁，为了将建筑画得更准确、细致、工整，后来青绿山水中还出现了界画。用界笔直尺划线，所以画中建筑的线条更加工整笔直。界画的高手，晚唐出了尹继昭，五代有卫贤、赵德义、赵忠义等人，宋初还有郭忠恕。

【工笔花鸟画】

“好看”的皮囊千篇一律

山水画中还有松石一科，催生了花鸟画成为独立的画种。

那时工笔花鸟画大多用来装饰宫廷。五代西蜀的黄荃用“勾勒填彩”法画花鸟能够骗过宫廷的真仙鹤，南唐徐熙开创“没骨画法”，看上去更有野逸之感。

“有趣”的灵魂万里挑一

后来，北宋的画家们觉得，工笔花鸟画不应该只图好看，还应该追求一些意境。于是北宋的崔白就画了一幅《双喜图》。

《双喜图》中，两只山喜鹊受到惊吓，跃到空中扑棱着翅膀，对着下面扰人清梦的野兔破口大骂。偶然经过此地的野兔听到叽叽喳喳的鸟语，停下脚步，回眸看向空中，就看到了两只炸毛的山喜鹊，神态颇有些莫名的“呵呵”之感。山喜鹊与野兔，一静，两动，在构图中巧妙地相互呼应。

崔白这幅画，突破了“黄徐”两大花鸟流派一百多年来只单纯注重装饰性的动机，使得花鸟画也有了故事冲突和趣味性。此举受到书画皇帝宋徽宗赵佶的赏识，在他主持编纂的《宣和画谱》中就载入了241幅崔白的作品。

【工笔画的巅峰时代】

不爱江山爱丹青，宋徽宗开创画院风

文艺青年宋徽宗，利用职务之便，开创了北宋画院。北宋最顶尖的画师，都在其中。宋徽宗每天和画师一起看山看水看花看鸟看珍禽异兽，然后画画画。对物态精准的捕捉，极清极简的线条，含蓄内敛的意蕴，都是独属于宋徽宗的审美标签。每一笔，都能看出他对绘画满满的热爱，和对美的极致追求。

在《腊梅山禽图》中，宋徽宗题诗云：“已有丹青约，千秋指白头”。他自剖心迹，表示自己不爱江山爱丹青，只是一个被皇帝职位耽误了的好画家！

是非功过，一抔黄土。留下的，是北宋继往开来的院体画风，和独一无二的美学格调。

【工笔画的萧条后期】

文人画兴起，工笔画没落

两宋以后，由于“意高于形”的文人画兴起，工笔画开始逐渐走向没落。其间也有高手，但寥若晨星。

工笔人物画方面，元代的工笔重彩巨制——永乐宫壁画最为瞩目。

仕女画要数明代点秋香的唐伯虎。

明代的仇英苦心孤诣，兼擅工笔人物和青绿山水。

【近现代工笔画的复兴之路】

近现代，也有不少出色的工笔画家。

于非闇

于非闇（1889-1959），早年随王润暄学画，1935年起专攻工笔花鸟画，任职于故宫古物陈列所，临摹、研究了大量古代绘画，打下了较深的传统根基。

于非闇是近现代中国画史上致力于工笔花鸟画研究与创作，并有着重要成就的画家。正是于非闇及其同志者的努力，使传统工笔画的精华得以传承，为现代工笔画的发展奠定了坚实的基础，为后来的众多文人墨客所赏识与效仿。

徐悲鸿

首先我们不能不提徐悲鸿（1895-1953），徐悲鸿原名徐寿康，江苏人。中国现代画家、美术教育家。

虽然徐悲鸿先生的国画彩墨浑成，尤以奔马享名于世；但他还擅长画人物、走兽、花鸟，主张现实主义。他的人物画《愚公移山》、《泰戈尔像》、《李印泉像》、《九方皋》基本上都是用工笔手法完成的。

【后记】

电视、照相机、打印机等这些精准的图像处理设备层出不穷，对于工笔画一直追求的“栩栩如生”是极大的挑战。而且在流行文化的冲击下，工笔画的形式过于传统，缺乏新意，也无法再吸引公众的视线。

那么人们是否就不再需要工笔画了呢？

问题又回到了最初，1962年，当美国旧金山的观众默默凝视着南宋李安忠的《竹鸠图》时，他只是单纯地被画家所传达的精神打动了。

这种精神，是宋徽宗宁愿丢掉江山也不愿意抛弃的，对美的追求。

这种精神，是在中国延续了数千年，却被当代中国人一股脑丢掉的工匠精神。

这些精神，让我们成为更有温度的人。

当大多数人的视线已经被新新事物所吸引，为生活工作所占据，还是有一些人愿意耐着寂寞，一遍又一遍在纸上描摹渲染那些被忽略的美好。

他（她）们留下的每一笔，自信从容，无可替代，值得被人好好欣赏与赞叹。

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